Obras maestras de la pintura / Otto Mueller / Pareja en la mesas

"Par am Tisch" (Pareja en la mesa)
 "Par in der kaschemme" (Pareja en una taberna)

Otto Mueller

PAREJA EN LA MESA

Otto Mueller (1874-1930) fue uno de los grandes pintores expresionistas alemanes que vivieron los años de esplendor del arte en Alemania durante las tres décadas del periodo comprendido entre 1900 y 1933 lo que le permitió asistir y participar de todas las corrientes y movimientos que fueron apareciendo durante ese periodo por lo que podemos afirmar que, conoció el final de lo que se dió en llamar el impresionismo alemán, vivió la desaparición del simbolismo, tomó parte en la creación de la "Neue Sezession" berlinesa entrando a formar parte en 1910 del grupo conocido como "Die Brüke" (El Puente), se relacionó con los integrantes del movimiento "Der Blaue Reiter" (El Jinete Azul) y asistió, al término de la guerra, al nacimiento del nuevo expresionismo crítico alemán conocido como la "Neue Sachlichkeit" (Nueva Objetividad), movimiento que desaparecería con la llegada al poder del nacional socialismo en 1933, tres años después de su muerte.

/ Francis Bacon / Isabel Rawsthorne standing in a street in Soho

OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURA

Francis Bacon

Isabel Rawsthorne standing in a street in Soho

Pintora, diseñadora y modelo de innumerables artistas, la británica Isabel Rawsthorne (1912-1992) vivió un siglo en el arte, con el arte y para el arte sin despreciar los goces de lo mundano.

Casada tres veces, primero con el periodista Sefton Delmer, corresponsal que fue del Daily Express durante la Guerra Civil española y la invasión de Polonia por la Wehrmacht en 1939 y del que se divorciaría durante la 2ª Guerra Mundial; después, en 1947, con Constant Lambert, un compositor y director de orquesta famoso por sus trabajos para el ballet ruso de Serge Diaghilev’s y, tras la muerte de este en 1951, con el también compositor británico Alan Rawsthorne.

Obras maestras de la pintura / Andrew Wyeth / El mundo de Cristina

El mundo de Cristina
Andrew Wyeth
The Museum of Modern Art_NY 2012
Foto de Triunfo Arciniegas

OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURA
Christina’s World  by Andrew Wyeth

Si se visita New York por primera vez, hay tres cosas que está uno casi obligado a ver antes de nada: la Estatua de la Libertad, la vista desde el último piso del Empire State Building y el cuadro de Andrew Wyeth en las paredes del Museo de Arte Moderno (MOMA), El mundo de Cristina.

Este cuadro, un icono dentro de la cultura popular estadounidense, solo es comparable en popularidad al Gótico americano, de Grant Wood. Baste decir que, en 2006, una retrospectiva de la obra de Andrew Wyeth en el Museo de Arte de Pensilvania, fue visitada por más de 175 mil personas en un período de menos de cuatro meses lo que representa un récord jamás igualado en la obra de un pintor vivo.

El mundo de Cristina fue pintado por el pintor de Pensilvania, Andrew Wyeth, en el año 1948 en los alrededores de su residencia de verano en Cushing, en el estado de Maine. En este cuadro, Wyeth retrata de espaldas a una mujer vestida de rosa y que parece arrastrarse por una pradera en dirección a una misteriosa casa que aparece lejana, allí en el horizonte. De la simple observación del cuadro no se puede definir la edad de la mujer ni tampoco averiguar si se encuentra en una situación de incapacidad que la impida llegar hasta la casa que ella parece contemplar. Solo destacan, la tremenda soledad de su entorno y la fragilidad aparente de sus delgados brazos en los que descarga el peso de su torso erguido.

Obras maestras de la pintura / Lucian Freud / Benefits Supervisor Sleeping

Benefits Supervisor Sleeping
Lucian Freud

OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURA

Lucian Freud

Benefits Supervisor Sleeping

1995

El pasado 21 de julio de 2011 moría en Londres, a sus ochenta y ocho años, Lucian Freud. Nieto de Sigmund Freud, era el pintor vivo más cotizado del planeta siendo gracias a su actividad pictórica, solo interrumpida por la muerte, un pintor multimillonario cuya herencia se disputarán sus numerosos hijos reconocidos y seguramente los no reconocidos, los cuales se estima que superan a los primeros.

Obras maestras de la pintura / Vermeer / La joven de la perla

'La joven de la perla', de Vermeer, conservada en la Mauritshuis de La Haya (Países Bajos)

OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURA

Vermeer y la mujer encerrada

Los museos han cerrado sus puertas, pero la contemplación del arte sigue abierta. 

Peio H. Riaño

26 de marzo de 2020

“Sería capaz de dejarme cortar la mano izquierda bajo la condición de que pudiera observar durante diez minutos a Vermeer de Delft sentado ante su caballete cuando se hallaba pintando”. Salvador Dalí fue un incondicional del pintor galáctico del Siglo de Oro holandés. En él encontró la escapatoria a la abstracción que practicaban sus contemporáneos y en los que solo veía decoración. A diferencia de ellos, su propio estilo, decía, era un reencuentro con las grandes fuentes de la pintura, para rehacerla: “Hay que comprender de nuevo”, explicó en una de sus primeras entrevistas, mientras pintaba El espectro de Vermeer de Delft utilizable como mesa, que se conserva en el Museo Dalí de San Petersburgo. Revisó al pintor barroco varias veces, hasta que en 1955 creó el Estudio paranoico-crítico de 'La encajera' de Vermeer, que exhibe el Guggenheim de Nueva York. Incluso rodó un largometraje con Robert Descharnes sobre esta pintura del artista que Dalí tenía como el más grande, el único capaz de superar a Velázquez en su personal clasificación de los maestros del arte.

Obras maestras / Klimt / El beso

OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURA

Gustav Klimt

EL BESO

Título: El Beso.
Autor: Gustav Klimt (austriaco. n. Viena, 1862. m. Viena, 1918)
Fecha de composición: 1908.
Dimensiones: 180 x 180 cm.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Residencia: Kunsthistorisches Museum, Viena.

 Para muchos (entre ellos me encuentro yo), Gustav Klimt podría ser el pintor más erótico de la historia (erótico, que no pornográfico ni vulgar). Desde que conocí a este artista, allá en mis tempranos veintes, quedé prendado por su obra. Algunos de sus cuadros harían suspirar hasta a los más reservados en estos menesteres. Pero no les estoy enviando una obra que pudiera herir alguna susceptibilidad, sino una que fascinará a todos. Se trata de “El Beso”.

Obras maestras de la pintura / Botticelli / Retrato de Simonetta Vespucci

 

Sandro Botticelli

RETRATO DE SIMONETTA VESPUCCI

OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURA

Sandro Botticelli

RETRATO DE SIMONETTA VESPUCCI

El 29 de enero de 1475 se libró un famoso torneo en la plaza de la Santa Croce en la ciudad de Florencia para celebrar el acuerdo de paz entre las tres potencias italianas de Venecia, Milán y Florencia. La justa, organizada por el señor de esta última, Lorenzo "El Magnífico", no pretendía ser un torneo a la usanza de los antiguos y cruentos torneos medievales sino una demostración colorista y festiva que demostrase, a la vista de todos los presentes, la destreza en el manejo de las armas y la suntuosidad de los miembros de la familia de los Médicis pues, a este torneo, concurría Giuliano de Médicis, el hermano menor de Lorenzo. 

Lee Krasner / Polar Stampede / 1960

'Polar Stampede' (1960)

Lee Krasner

Lee Krasner

Polar Stampede

1960

Peio H. Riaño
21 de febrero de 2020

Es la mejor pintora de EE.UU. del siglo XX y forma parte de los grandes artistas norteamericanos de ese tiempo. Su condición de mujer y de pareja de Jackson Pollock fueron su mayor obstáculo para ser reconocida como lo que fue, a pesar de ser una de las pocas mujeres que ha tenido una exposición individual en el MoMA (en 1984), y de ser una de las artistas más demandadas en el mercado. En 2008, Polar Stampede (1960) se vendió en Sotheby’s por 3,2 millones de dólares.

Lee Krasner (1908-1984) quedó viuda en agosto de 1956, cuando Pollock murió en un accidente de tráfico. Ella cayó en un insomnio crónico y comenzó a pintar de noche. Su paleta se simplificó y se llenó de colores crudos, sin brillo; en estos cuadros emplea la espátula, arrastra la pintura y la derrama sobre el lienzo, como un caos controlado en todo momento. Espontaneidad restringida. Y lo más llamativo: el tamaño de sus expresiones creció, ya no pintaba en una habitación, pasó a ocupar el espacio en el que actuaba Pollock y, en consecuencia, sus lienzos se ampliaron. Su libertad se expandió y el mercado terminó recibiendo esos tamaños –además de su fuerte sentido del color y del movimiento, y sus huellas autobiográficas– con los brazos abiertos.

EL PAÍS

Mark Rothko / No. 13 (Blanco, rojo, sobre amarillo) 1958

 

'No.13 (Blanco, rojo, sobre amarillo)' (1958)

Mark Rothko

Mark Rothko

No. 13 (Blanco, rojo, sobre amarillo)

1958

Peio H. Riaño
21 de febrero de 2020

Un año después de pintar este cuadro que se conserva en el Metropolitan Museum Of Art de Nueva York (MET), Mark Rothko (1903-1970) voló a Europa con su familia. Su hija Katie recuerda cómo acabó aquel viaje: "Sólo tres días de playa" y dos meses y medio visitando museos. Rothko buscaba conexiones ancestrales entre sus preocupaciones y el arte del viejo continente. En su paso por Pompeya le confesó a John Fischer la "profunda afinidad" que sentía entre sus obras más recientes y los frescos de la Casa de los misterios. Ante aquellos muros, le habló de las grandes extensiones de color sombrío que compartían.

En Grecia, en los templos de Paestum, Rothko enmudeció. En el templo de Hera, dos estudiantes italianos se acercaron al grupo de americanos y les preguntaron quiénes eran. Katie les respondió que su padre era un artista y ellos preguntaron a Rothko si había venido a pintar los templos: "Llevo pintando templos griegos toda mi vida sin conocerlos", respondió. Rothko admiraba esos espacios vibrantes de luz y color. Espacios mínimos y silencios místicos similares a los del monje pintor Fra Angelico (1395-1455). El historiador del arte Giulio Carlo Argan lo resumió así: "Un cuadro suyo no es una superficie, sino un ambiente". Y la ensayista María Zambrano habló del "tiempo de adentro". Los cuadros de Rothko son un poco eso.

EL PAÍS

Jackson Pollock / Mural / 1943

 

'Mural' (1943)
Jackson Pollock

Jackson Pollock

Mural

1943

Peio H. Riaño
21 de febrero de 2020

"Algunas veces utilizo el pincel, pero otras prefiero recurrir a los palos. En ocasiones, incluso, vierto la pintura tal y como sale del bote", explicaba Jackson Pollock (1912-1956), mientras remataba –metafóricamente– al artista académico, tradicional y preocupado por el pasado, que ya habían herido sus antecesores. En su abstracción expresiva retomó, sin embargo, algunos rasgos de los primeros abstractos con el objetivo de alejarse de ellos.

Pollock pintó este mural para el recibidor de la casa de Peggy Guggenheim, en Manhattan, cuatro años después de que Picasso presentara Guernica en el pabellón de la República española, en la Exposición Universal de París de 1939. "Es tan grande como el infierno", dijo la mecenas cuando contempló el lienzo por primera vez. De existir, el infierno debe de ser un popurrí de colores: bermellón, rojo de cadmio, carmín alizarina, cadmio limón, verde, azul cerúleo, azul cobalto, sombra quemada, blanco de titanio, negro… Hasta 25 pigmentos distintos se han identificado en el Mural; y mucho dripping (la técnica de goteo que introdujo el artista estadounidense).

Y a pesar de ello, aún faltaban unos años para que Pollock liberase definitivamente su cuerpo y perdiera el control sobre la pintura, y los goterones se derramaran sin medida y sin condiciones. Pollock dijo de Mural que representa una estampida: "Cada animal en el oeste americano, vacas y caballos y antílopes y búfalos, todos a la carga a través de la maldita superficie".

EL PAÍS

Obras maestras de la pintura / Francis Bacon / Una codiciada pieza

Francis Bacon

Una codiciada pieza

'Tres estudios de Lucian Freud' no es un cuadro cualquiera de Francis Bacon

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MANUELA MENA 14 NOV 2013 - 00:17 CET

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El artista Francis Bacon.

Tres estudios de Lucian Freud no es un cuadro cualquiera de Francis Bacon. Data de su época más aguda, en la que el artista se muestra todavía en permanente búsqueda. Ese fondo amarillo, esa perfección de la geometría en que encuadra a su amigo, la elección del fondo... Todo en él es asombrosamente perfecto. En la iconografía clásica, el amarillo está asociado con la envidia. No creo que mediase ese sentimiento entre los dos pintores, que se colocan en un plano muy elevado, en un diálogo intelectual propiciado por un color frío, un lugar en el que para ellos la búsqueda de la belleza y de la perfección son posibles.

Hugo Simberg / El ángel herido

El ángel herido
Haavoittunut enkeli
Hugo Simberg

Hugo Simberg

EL ÁNGEL HERIDO

Se llama El Ángel Herido (Haavoittunut enkeli) , lo pintó Hugo Simberg, un pintor finlandés.

Ésta, és una de sus obras más famosas y fue votada como "La Pintura Nacional" en su país. 

Como veis, en el cuadro hay dos niños vestidos con colores oscuros como si estuvieran en el funeral del ángel que hay entre ellos.El niño de la derecha tiene en la cara una expresión de: "eh tu, que miras?". El ángel tiene los ojos vendados y un poco de sangre en las alas, lo que podria significar que lo han matado, porque no creo que se hubiera vendado los ojos para morir, a no ser que no quisiera ver nada cuando muriera. Con esta pintura, tenemos que sacar nuestras propias conclusiones, porque el autor de éste cuadro no quiso explicar nada del significado de esta pintura, dijo que era importante dejar que los espectadores sacaran sus propias conclusiones. Y que asi sea.

En 1905 y 1906, eligieron a Hugo Simberg para pintar en la Catedral de Tampere. Simberg pintó una "versión mayor" de El Ángel herido, y dijo que era su pintura favorita.

Por lo que se ve, en la cultura finlandesa muchas veces se nombra este cuadro, como en el video musical de la canción Amaranth de Nightwish, que segun su actual cantante, Anette Olzon, está inspirado en ese cuadro.

Conejo de trapo

Obras maestras de la pintura / La joven de la perla vuelve a su casa

La joven de la perla
Vermeer

‘La joven de la perla’ vuelve a su casa

La obra maestra de Vermeer es la estrella de la reapertura del Mauritshuis de La Haya

• El jilguero de La Haya

ELSA FERNÁNDEZ-SANTOS La Haya 20 JUN 2014 - 18:17 CET

Un visitante toma una fotografía con su móvil de 'La joven de la perla'. / LEX VAN LIESHOUT (EFE)

El Mauritshuis ya no es un museo de cuento, es directamente de best-seller. La pequeña pinacoteca, verdadera caja de bombones del arte antiguo holandés situada en el corazón de La Haya, reabre la semana que viene sus puertas después de dos años de trabajos de ampliación y remodelación. Conocida por su espectacular colección, en sus paredes cuelgan entre otras joyas, iconos como La joven de la perla, de Vermeer, que vuelve a casa; La lección de anatomía, de Rembrandt y su estrella más reciente: El jilguero, de Carel Fabritius.

Johannes Vermeer / La joven de la perla

Jonannes Vermeer
La joven de la perla (entre 1660 y 1665)
Óleo sobre lienzo, 44.5 x 39 cms
Museo Mauritshuis, La Haya, Holanda

Johannes Vermeer

La joven de la perla

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Esta preciosidad, a la que últimamente los más cursis llaman ‘La Mona Lisa del Norte’, ‘La Gioconda holandesa’ y otras estupideces sin sentido, fue adquirida por Des Tombes (un gran coleccionista y benefactor de ‘La Casa de Mauricio’ -Mauritshuis- en la que se expone) en una subasta en La Haya por ¡¡¡dos florines y treinta centavos!!!, lo que ya entonces, 1882, era un importe insignificante. Hoy, sin embargo, su precio sería enorme si estuviera a la venta, (que no es el caso), porque…

Willem de Kooning / La pintura que solo se veía desde una cama

'Mujer-Ocre' (1957-1959), de Willem de Kooning.

El ‘dekooning’ que solo se veía desde una cama

BIOGRAFÍA DE WILLEN DE KOONING

'Mujer-Ocre', cuadro robado en 1985 en un museo de Arizona y valorado en más de 83 millones de euros, reaparece escondido en un dormitorio

JOAN FAUS
Washington 16 SEP 2017 - 16:08 COT

Cuando estaban tumbados en la cama, Jerome y Rita Alter contemplaban de frente Mujer-Ocre, uno de los cuadros de desnudos femeninos de Willem de Kooning. Si abrían la puerta, desaparecía el colorido lienzo expresionista: la obra, pintada en 1957-1959 y con un tamaño de un metro por 70 centímetros, permanecía perfectamente escondida, en un espacio entre el marco de la puerta y una pared.

Francis Bacon / El tríptico que Bacon dedicó a Lucian Freud

El tríptico de Francis Bacon, vendido en subasta por 142 millones de dólares

El tríptico que Francis Bacon dedicó a Lucian Freud, entre las 10 obras más caras de la historia

ABC / NUEVA YORK

Día 13/11/2013 - 11.38h

Fue vendido por 142 millones de dólares en Nueva York, con lo que se convierte en la pintura más cara jamás subastada

No hay duda de que el pintor angloirlandés Francis Bacon es uno de los artistas modernos más cotizados en el mundo del arte. Y prueba de ello es que el tríptico que dedicó a su amigo y también pintor Lucian Freud en 1969, considerado como una de sus obras más icónicas, fue subastado en Nueva York por 127 millones de dólares, lo que ha supuesto el récord en el precio de un cuadro del artista y lo convirtió en uno de los diez más caros de la historia. Era la primera vez que este tríptico era subastado. El precio final, con impuestos, llega a los 142,4 millones de dólares.

Edvard Munch / El grito

Edvard Munch

EL GRITO

El grito (en noruego Skrik), es el título de cuatro cuadros del noruego Edvard Much (1863-1944). La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Noruega y fue completada en 1893. Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que la cuarta versión pertenece a una colección particular. En 1895, Munch realizó también una litografía con el mismo título.

Edward Hopper / Nighthawaks

Edward Hopper

NIGHTHAWAKS

NOCTÁMBULOS

(1942)

Nighthawks (1942) (literalmente Halcones de la noche, aunque se le ha dado el nombre de Noctámbulos en español) es un cuadro del pintor estadounidense Edward Hopper en el cual se ve a cuatro personas sentadas en un diner urbano por la noche. No sólo es el cuadro más famoso hecho por Hopper, sino también uno de los más reconocibles del arte estadounidense. Actualmente se encuentra en la colección del Instituto de Arte de Chicago.

Obras maestras de la pintura / Guernica, el cuadro ultrajado

Picasso pintando Guernica
Fotografía de Dora Mar

Günter Grass

'Guernica', el cuadro ultrajado

BIOGRAFÍA DE PICASSO

Traducción de Luis Meana

GÜNTER GRASS 12 MAR 1991

Aunque también yo sé que los cuadros sólo pueden describirse aproximadamente y que las palabras aspiran a fijar como con un clavo el significado, hay que intentar, no obstante, explicar un cuadro que ha sido públicamente ultrajado.El lienzo mide ocho metros de largo y cerca de cuatro de alto. En el espacio representado, recinto interior y exterior se transfunden uno en otro. Los gestos de las figuras, ya sean personas ya sean animales, empujan hacia los márgenes del cuadro, como si buscasen reventar el formato. Del exterior como del interior cuelga una desnuda bombilla que arroja una fría luz aserrada. Como si la luz eléctrica no alumbrase suficientemente una mujer catapulta por la ventana abierta, con un largo brazo que domina todo el centro del lienzo, una lámpara de petróleo. Quiere iluminar el acaecer hasta en el último escondrijo del cuadro: el caballo relinchando herido, la cabeza inmóvil del toro, que se muestra, llamativamente levantada del cuerpo compacto, de perfil y no obstante, con los dos ojos incitada por el horror, una joven de nalgas desnudas pega un brinco; con los brazos levantados, cada mano atiesada, brama una mujer; y, claramente resaltado, el derribado jinete sostiene en su convulsionada mano derecha, que no puede o no quiere aflojar, una flor. La simultaneidad de todo el acaecer del cuadro obedece a una fuerza no visible, que procede de fuera, que golpea y muestra su efecto. Pero incluso allí donde el espacio exterior está señalado por una ventana cortada con forma de una lumbrera, esa fuerza no se da a conocer. El jinete caído del límite inferior del cuadro, las dos mujeres de la parte derecha e izquierda del lienzo claman al cielo. ¿Viene de allí la fuerza invisible?

Edward Hooper / Nighthawaks I

Nighthawks, 1942
Edward Hopper

El eterno retorno de 'Nighthawks'

MARCOS ORDÓÑEZ 4 SEP 2006

En diciembre de 1941, justo tras la debacle de Pearl Harbor, Edward Hopper cruzó una noche, de camino a su estudio, frente a un diner solitario de Greenwich Avenue. A la mañana siguiente comenzaba a pintar Nighthawks, su cuadro más famoso. El pintor y su esposa, cuya relación no era precisamente idílica, están en el cuadro, en esa pecera de aves nocturnas y solitarias: Josephine Hopper es el modelo de la mujer de rojo y Edward es el hombre del sombrero que está a su lado. Nighthawks es mucho más que un tranche de vie: es un condensado de melancolía insomne, quintaesencia (según el crítico Gordon Theisen) del "lado oscuro del sueño americano". Es un espejo secreto y, como toda verdadera obra de arte, una ventana abierta en abismo a cientos de ventanas paralelas.

Sus reverberaciones son infinitas: la primera vez que vi el cuadro pensé, casi instantáneamente, en un relato, una película, un disco. Pensé en los parroquianos, a la busca de unas briznas de calma y afecto, de un lugar limpio y bien iluminado, de Hemingway; pensé en el amor imposible de Dana Andrews y Gene Tierney en la noche eterna de Where the sidewalk ends y, por supuesto, pensé en Nighthawks at the diner, la presentación en sociedad de Tom Waits, el perfecto cantor de Hopperlandia.

Más tarde, en 1981, el cuadro cobró vida, literalmente, en Pennies from heaven, la adaptación que hizo Herbert Ross de la negrísima serie televisiva del gran Dennis Potter: Steve Martin y Bernadette Peters ocupaban en el plano los mismos lugares que el hombre del sombrero y la mujer de rojo, bañados por la misma luz, con esos colores (verde de mesa de billar, escarlata agónico, falsa vainilla) que sin duda existieron en el Nueva York de 1941 pero ahora parecen refulgir únicamente en la dimensión desconocida del relato, del cine negro, de una voz que sobrevuela botellas vacías y ceniceros llenos. Faltaba, cómo no, el teatro. Se estrena en el Kirk Douglas Theatre de Los Ángeles una nueva zambullida en el cuadro: el debutante Douglas Steinberg ha imaginado cuatro identidades posibles para los personajes de Nighthawks. La pelirroja se llama Mae; fue corista de Ziegfeld y ahora es la dueña deldiner. Su marido es el camarero, se llama Quig y acaba de volver de ultramar. El hombre del sombrero se llama Sam y es un parroquiano habitual. Los tres tratarán de desentrañar la identidad del hombre solitario que permanece de espaldas a la calle, un silencioso desconocido que bien podría ser el mismísimo Edward Hopper.

La función ha tardado 22 años en estrenarse. Douglas Steinberg la escribió en 1985. Más reverberaciones: aquel mismo año, en Nueva York, Stephen Sondheim escapaba de la depresión sufrida tras el fracaso de Merrily we roll along para componer y estrenar Sunday in the park with George, un musical sobre el tormento y el éxtasis de Georges Seurat, en el que Sondheim imaginó las vidas de los personajes que pueblan su célebre cuadro Tarde de verano en la Grande Jatte. Quizá tampoco sea casual que Matt Groening convirtiera a Homer Simpson en un cliente del mítico diner nocturno (bebiendo cerveza Duff, por supuesto) y que el protagonista de la obra de Steinberg sea precisamente Dan Castellaneta, la voz de Homer en la versión original de la serie.

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