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lunes, 24 de agosto de 2026

Mi conexión con La noche estrellada de Van Gogh

 


La noche estrellada, junio de 1889. Museo de Arte Moderno, Nueva York.
La noche estrellada, junio de 1889. Museo de Arte Moderno, Nueva York.

Mi conexión con La noche estrellada de Van Gogh

Encontrar paz, belleza y significado en el mundo turbulento y las pinceladas luminosas de Vincent van Gogh.

Orsolya Antoni
12 de febrero de 2026

Vincent van Gogh ocupa un lugar especial en mi vida como mi segundo pintor holandés favorito, célebre por su uso vibrante y cargado de emoción del color. Su icónica obra maestra, «La noche estrellada», ha sido una fuente constante de inspiración, con sus cielos arremolinados y su profunda resonancia emocional que cautivan mi imaginación. El extraordinario talento de Van Gogh para capturar la belleza de su mundo, a menudo reflejando sus propias luchas, me conmueve profundamente. «La noche estrellada» es la culminación de su trayectoria artística, una representación de su estilo único y su profundidad emocional. Cada vez que contemplo su obra, descubro nuevos detalles y matices que me invitan a reflexionar y profundizar, asegurando que su presencia siga siendo una parte significativa de mi camino artístico.

El arte de Vermeer / El enigma de "La joven de la perla"

 

La joven de la perla es una pintura al óleo del pintor holandés de la Edad de Oro Johannes Vermeer, fechada alrededor de 1665.
La joven de la perla es una pintura al óleo del pintor holandés de la Edad de Oro Johannes Vermeer, fechada alrededor de 1665.


El arte de Vermeer: ​​el enigma de "La joven de la perla"

Descubriendo la maestría de Johannes Vermeer y el encanto de su icónica pintura en Ámsterdam.


Orsolya Antoni 
12 de septiembre de 2024

En 2023, un buen amigo y yo tuvimos el placer de visitar la exposición de Vermeer en Ámsterdam. Nos divertimos mucho haciendo cola para comprar las entradas y conocimos a personas muy singulares e interesantes. Entre ellas, un brasileño de 85 años, antiguo músico que ahora viaja por el mundo. Tenía una promesa especial que cumplir para su nieta: una visita a la exposición de Vermeer en Ámsterdam. Su historia era fascinante y nos hizo reflexionar sobre la conexión que veía entre su vida, su música y el arte de Vermeer. Este encuentro, junto con la emoción de contemplar de cerca las obras de Vermeer, hizo que la experiencia fuera aún más memorable.

lunes, 26 de septiembre de 2022

Pablo Neruda / Al difunto pobre

 

Zapatos viejos
Vincent van Gogh


Pablo Neruda

Biografía

AL DIFUNTO POBRE

A nuestro pobre enterraremos hoy:
a nuestro pobre pobre. 

Tan mal anduvo siempre 
que es la primera vez 
que habita este habitante.

Porque no tuvo casa, ni terreno, 
ni alfabeto, ni sábanas, 
ni asado, 
y así de un sitio a otro, en los caminos, 
se fue muriendo de no tener vida, 
se fue muriendo poco a poco, 
porque esto le duró desde nacer. 

Por suerte, y es extraño, se pusieron de acuerdo 
todos desde el obispo hasta el juez 
para decirle que tendrá cielo 
y ahora muerto, bien muerto nuestro pobre, 
ay nuestro pobre pobre 
no va a saber qué hacer con tanto cielo. 
Podrá ararlo y sembrarlo y cosecharlo? 

Él lo hizo siempre, duro
peleó con los terrones,
y ahora el cielo es suave para ararlo,
y luego entre los frutos celestiales
por fin tendrá lo suyo, y en la mesa
a tanta altura todo está dispuesto
para que coma cielo a dos carrillos
nuestro pobre que lleva, por fortuna,
sesenta años de hambre desde abajo,
para saciarla, al fin, como se debe,
sin recibir más palos de la vida,
sin que lo metan preso porque come,
bien seguro en su caja y bajo tierra
ya no se mueve para defenderse,
ya no combatirá por su salario.
Nunca esperó tanta justicia este hombre,
de pronto lo han colmado y lo agradece:
ya se quedó callado de alegría.

Qué peso tiene ahora el pobre pobre! 
Era de puro hueso y de ojos negros 
y ahora sabemos, por su puro peso, 
ay cuántas cosas le faltaron siempre, 
porque si este vigor anduvo andando, 
cavando eriales, arañando piedras, 
cortando trigo, remojando arcilla, 
moliendo azufre, transportando leña, 
si este hombre tan pesado no tenía 
zapatos, oh dolor, si este hombre entero 
de tendones y músculos no tuvo 
nunca razón y todos le pegaron, 
todos lo demolieron, y aún entonces 
cumplió con sus trabajos, ahora llevándolo 
en su ataúd sobre nosotros, 
ahora sabemos cuánto le faltó 
y no defendimos en la tierra. 

Ahora nos damos cuenta que cargamos 
con lo que no le dimos, y ya es tarde: 
nos pesa y no podemos con su peso. 

Cuántas personas pesa nuestro muerto? 

Pesa como este mundo, y continuamos 
llevando a cuestas este muerto. Es claro 
que el cielo es una gran panadería.

Pablo Neruda
Plenos poderes
Losada, Buenos Aires, 1962, pp. 32-34



miércoles, 31 de marzo de 2021

Las hermanas Van Gogh toman la palabra


Imágenes en el Museo Van Gogh, en Ámsterdam, de las hermanas del pintor, Anna, Willemien y Elisabeth.


Las hermanas Van Gogh toman la palabra

La correspondencia entre Anna, Elisabeth y Willemien, publicada por primera vez, arroja luz sobre las relaciones familiares del pintor


Isabel Ferrer
La Haya, 27 de marzo de 2021



La vida y distinta suerte de Anna, Elisabeth y Willemien van Gogh, las tres hermanas de Vincent, el famoso pintor neerlandés, ha pasado casi desapercibida debido a la potencia arrolladora del legado fraterno. Aunque el artista dependió económicamente de su hermano Theo, que siempre dijo que su obra sería reconocida, y así ocurrió a su muerte. Mucho antes de que su firma bastara para valer millones, sus cuadros sirvieron para auxiliar a Willemien, la pequeña de las tres. Los problemas mentales afectaron a varios miembros de la familia, y la venta de parte de los 17 cuadros que ella tenía en casa permitió sufragar su ingreso en 1902 en un centro especializado, donde estuvo 39 años internada. En cierto modo, fue como si Vincent (1853-1890) hubiera conseguido al fin devolver la ayuda que él recibió en vida.

El síndrome de abstinencia del alcohol provocó psicosis a Van Gogh


Van Gogh


El síndrome de abstinencia del alcohol provocó psicosis a Van Gogh

Un estudio efectuado en los Países Bajos por psiquiatras y neurólogos señala que la bebida y la malnutrición acentuaron los trastornos mentales del pintor


Isabel Ferrer
La Haya, 4 de noviembre de 2020
Un visitante observa un autorretrato de Van Gogh en el museo del artista en Ámsterdam, el 20 de enero de este año.
Un visitante observa un autorretrato de Van Gogh en el museo del artista en Ámsterdam, el 20 de enero de este año.PIROSCHKA VAN DE WOUW / REUTERS
Vincent van Gogh pintaba sin parar, comía tan mal como para estar desnutrido, fumaba mucho y dormía poco, y sufrió episodios de psicosis derivados del delirium tremens, la fase aguda del síndrome de abstinencia del alcohol. Ocurrió después de cortarse la oreja izquierda y ser ingresado en un sanatorio, donde no podía beber. El frenesí en que estaba inmerso ha dejado un famoso legado artístico, que le costó, literalmente, la vida, en 1890. Una nueva investigación sobre su estado mental, efectuada por un equipo de psiquiatras y neurólogos de los Países Bajos, señala que además de los brotes psicóticos pudo padecer varios desórdenes con síntomas asociados al trastorno límite de la personalidad y el bipolar. Todo ello exacerbado por su alcoholismo y su pobre alimentación. Publicado en el International Journal of Bipolar Disorders, el estudio se presenta como el más amplio efectuado hasta la fecha e indica que su estado se agravó con momentos de depresión severa de la que no pudo recuperarse, y explicaría su suicidio.

¿Qué misterios esconden las pinturas de Vincent van Gogh?

Trigal con cuervos, 1890
Vincent van Gogh

 

¿Qué misterios esconden las pinturas de Vincent van Gogh?

Raúl Rivas González

Contemplando ensimismados “La gioconda” de Leonardo Da Vinci, “Los girasoles” de Van Gogh o cualquier otra obra pictórica de siglos pasados, ¿podemos considerar que es el mismo cuadro que creó el pintor? Es probable que no. Con el paso de los años, las pinturas cambian. El transcurso inexorable del tiempo las modifica para siempre.

Algunos de estos cambios vienen dados por los procesos de reducción y oxidación que sufren los metales que forman parte de los pigmentos utilizados por los artistas. Por ejemplo, el albayalde (blanco de plomo) en presencia de azufre forma sulfuro de plomo, que es de color negro.

martes, 30 de marzo de 2021

Van Gogh / Obras

hdr

Van Gogh
OBRAS

Van Gogh / Ocho autorretratos


Pintura 
Autorretrato con sombrero de fieltro oscuro, 1886, Van Gogh Museum. 


Van Gogh
AUTORRETRATOS

Los 12 pintores más influyentes de todos los tiempos

 

Mujer sentada cerca de una ventana, 1932
Pablo Picasso

Pintores famosos: Los 12 pintores más influyentes de todos los tiempos


Jorge González
30 de septiembre de 2019

Desde el quattrocento italiano hasta el siglo XX han existido muchos artistas que ganaron gran reconocimiento por sus obras artísticas. En este artículo hemos seleccionado algunos pintores famosos que debido a ello fueron o aún son altamente influyentes. Sin embargo esta no es una fácil tarea. Es casi imposible elegir entre cientos de pintores espectacularmente talentosos y reducir una lista de los mejores pintores de todos los tiempos.

Walt Disney congelado y otras mentiras de la historia que nos tragamos sin rechistar


Walt Disney


14 mentiras de la historia que nos tragamos sin rechistar

La imaginación y la épica han maquillado algunos de los episodios más sonados. Hablamos con historiadores y especialistas que desmienten estas tergiversaciones


SARA NAVAS
26 DIC 2018 - 11:32 COT

El poder de convicción de Hollywood, rumores que con el paso de los años se tomaron por verdades absolutas y manipulaciones históricas con intereses políticos o lucrativos han hecho que muchos episodios de la trayectoria del ser humano hayan transcendido de forma distorsionada. La imaginación y la épica han maquillado la historia y nosotros nos hemos creído aquello que a lo largo de nuestra vida nos han enseñado los libros de texto, las obras de arte o el cine, sin ponerlo en duda. Hemos hablado con historiadores y especialistas que nos han ayudado a desmentir catorce de estas tergiversaciones.

domingo, 3 de marzo de 2019

Un lujo llamado Willem Dafoe


Un lujo llamado Willem Dafoe


Julian Schnabel, pintor muy cotizado, es realizador de un cine que jamás me ha conmocionado, pero su protagonista tiene sobriedad, profundidad, matices


Carlos Boyero
1 de marzo de 2019





Willem Dafoe, en 'Van Gogh, a las puertas de la eternidad'. En vídeo, la crítica de Boyero. VÍDEO: EPV
Ámsterdam posee múltiples y heterodoxos encantos. Para algunos visitantes, sus canales. O el exotismo erotómano del Barrio Rojo. O esos coffee shops en los que se puede fumar toda la variedad de hierbas prohibidas sin que ningún policía se mosquee. O pasar embelesado tiempo en el Rijks Museum viendo la pintura de Vermeer y de Rembrandt. De otros también, pero sobre todo de estos dos. E imagino que para mucha gente su primera y más anhelada visita es el museo Van Gogh. Es imprescindible encontrar un horario en que no esté abarrotado, evitar las excursiones de turistas, poder saborearlo. Y la impresión es tan fuerte como duradera.

Willem Dafoe / “Actuar consiste en aprender a ser una persona decente”


Willem Dafoe: “Actuar consiste en aprender a ser una persona decente”

El intérprete encarna en 'Van Gogh, a las puertas de la eternidad' al genio holandés

Se pasó las tardes del rodaje pintando para entender al artista



TOMMASO KOCH
Madrid 1 MAR 2019 - 02:34 COT

Willem Dafoe estira el dedo y apunta hacia un lado de la habitación. “Allí yo no veo una silla”, afirma. Le daría a uno por decir que sí, que ahí está, al lado de la mesa. Aunque el actor lo tiene claro. En teoría, para su nueva película, se ha transformado en Vincent van Gogh. Pero, por el camino, parece haberle contagiado Claude Magritte: “La mente conceptual mata la experiencia. Nombrar algo es anularlo. Ahora, si miro, me fijo en los colores, sus vibraciones, los reflejos sobre los demás objetos y sobre mí, las sombras”. Porque, para comprender a uno de los artistas más controvertidos y celebrados de la historia, Dafoe (Appleton, 1955) abrazó la vía empírica. En cuanto tuvo el guion, también cogió el pincel.

lunes, 29 de octubre de 2012

La exposición que cambió el rumbo del arte moderno

'Exposición internacional de arte de la asociación de amantes del arte y artistas de Alemania Occidental'. Con ese poco atractivo lema Colonia acogió en 1912 una exposición que en cambio era tremendamente fascinante. Entre las obras expuestas, de los que hoy son considerados grandes maestros y que entonces fueron un riesgo revolucionario que corrió la organización de la muestra, estaban 125 obras de Van Gogh. Y, entre ellas, este 'Autorretrato', de 1887.


La exposición que cambió 

el rumbo del arte moderno

Colonia reconstituye la revolucionaria muestra que, cien años atrás, elevó a Van Gogh, Munch y Picasso a la categoría de maestros


Un siglo después, la ciudad alemana recuerda aquel hito de la historia del arte contemporáneo con la muestra '1912 – Mission Moderne', que recupera hasta el 30 de diciembre en el Museo Wallraf-Richartz una parte de los cuadros exhibidos entonces. (En la imagen, 'Cuatro chicas sobre el puente', de Edvard Munch, de 1905).
Centenares de pinturas amontonadas en las paredes describían desnudos de una obscenidad nunca vista, cielos pintados con colores tan improbables como el amarillo y juegos de perspectivas directamente imposibles. Corría 1912 en este gigantesco pabellón a las puertas de Colonia, del que la burguesía de la época no dudaba en huir despavorida al descubrir lo que se escondía en su interior. El gusto dominante exigía academicismo y tonalidades sombrías. Los pintores expuestos respondieron con paisajes fluorescentes, enfoques impúdicos de la anatomía humana y otras deformaciones de la realidad física que conducirán, en un futuro no muy lejano, hacia la abstracción.
Un siglo más tarde, no deja de resultar irónico observar a cientos de descendientes de aquellos escandalizados visitantes aguardando durante horas en la cola del museo Wallraf-Richartz para observar con fascinación los mismos lienzos que, un siglo atrás, sembraron el pánico en la ciudad. Los artistas expuestos ya no son oscuros alborotadores, sino pintores tan reconocidos como Cézanne, Gauguin, Van Gogh, Munch, Schiele, Mondrian y Picasso. Durante todo el otoño, Colonia celebra el centenario de la llamada exposición del Sonderbund, que lograría cambiar para siempre el rumbo del arte. “Lo alteró todo: la lista de pintores más influyentes y apreciados, los parámetros para valorar el arte y hasta la forma de coleccionar y exhibir la pintura en los museos. Lo que entonces era polémico hoy constituye el canon universal”, explica la comisaria Barbara Schaefer, responsable de 1912: Mission Moderne, muestra conmemorativa que hasta el 30 de diciembre reconstituye aquella exposición de entresiglos con una escenografía idéntica de paredes blancas y aristas negras.
Tras un tortuoso inventario, el museo ha conseguido reunir 120 de las más de 600 obras expuestas hace cien años. Dado su nuevo estatus de obras maestras, la exposición ha requerido un considerable despliegue de medios, así como la movilización de colecciones públicas y privadas de medio mundo. Un proceso laborioso, pero semejante al del original imitado. Impulsada por un grupo de artistas y coleccionistas de una ciudad enriquecida por la industrialización, que veía en la promoción de las artes una forma de ganar influencia en el mapa europeo –y convertirse así en contrapoder al Berlín imperial—, la exposición de 1912 se enfrentó a la incomprensión de sus visitantes. “Al principio, se muestran desconcertados por el hecho de no ver nada. Más tarde, solo ven distorsiones que no significan nada para ellos. En función de su temperamento, se sienten molestos o se tronchan de risa”, escribiría el cronista Hermann Von Wedderkop en una guía de la exposición.
El cosmopolitismo de Sonderbund, en oposición a la escasa vocación internacional de los salones de la época, también impactó en plena eclosión de los nacionalismos europeos. Para no disgustar al Kaiser, que había protestado por la adquisición de varios cuadros de Van Gogh por parte de un museo berlinés, el pintor holandés sería presentado como “un gran teutón”. Los post-impresionistas franceses fueron criticados por exceso de protagonismo, mientras que el escaso calor de los cuadros de Munch, que años atrás se había visto obligado a cerrar una exposición en Berlín ante el estrépito generado, no mereció mejor suerte. El austriaco Faistauer también merecería una mención especial por escandalizar con su retrato de una mujer desnuda practicando algo muy parecido a la masturbación.
El alcalde de la ciudad procuró calmar los ánimos –“nuestra catedral no se tambaleará y los cuadros de los maestros alemanes no caerán de sus paredes”, relativizó en un edicto—, pero una aplastante mayoría no supo comulgar con lo que se exponía en esta “cámara de los horrores”, como la describió la prensa local, más digna “de una consulta de psiquiatra que de una exposición pública de arte”. ¿Los paisajes arlesianos del mismo Van Gogh? “Ignoran toda idea de perspectiva”, dijeron los expertos. ¿El cubismo incipiente de Picasso? “El pequeño Karl dibuja las mismas estructuras con sus juegos de construcción”, sentenció otro crítico. O lo que es lo mismo: mi hijo podría pintar eso, uno de los estereotipos que quedarían vinculados al arte contemporáneo, en el que se seguirá observando la misma disociación entre la creación y el gran público.
Solo los visitantes más cultivados quedaron prendados de lo expuesto. Walt Kuhn, enviado por una asociación de pintores estadounidenses, calcó el concepto para crear el Armory Show, la exposición que, un año más tarde, revelaría a Duchamp, confirmaría el cubismo y permitiría que Nueva York rivalizara con París como epicentro de las vanguardias. De aquí a la proliferación de bienales de arte en medio mundo, solo faltaba un paso. Y otro más hasta la explotación del museo como espacio comercial: hace un siglo, Sonderbund ya vendió merchandising propio con una identidad visual creada para la ocasión y abrió una cafetería para que los visitantes se reconstituyeran después de tantas emociones fuertes. En otra muestra de rabiosa contemporaneidad, en 1912 ya estaba terminantemente prohibido fumar en su interior.

La exposición de 1912 contó con 634 obras, entre pinturas y esculturas, realizadas por 173 artistas. En una suma que hoy tendría un valor millonario, se expusieron 26 cuadros de Paul Cézanne, 25 de Paul Gauguin, 32 de Edvard Munch y 16 de Pablo Picasso, como este 'Arlequín sentado', de 1901.
(THE METROPOLITAN MUSEUM OF ART, NEW YORK)
Una de las decisiones revolucionarias de la muestra de Colonia fue la elección Cézanne, Gauguin, Munch (en la foto, su 'Cupido y Psique', de 1907), Picasso y Van Gogh como "padres fundadores", lo que recibió a la sazón grandes críticas. Con ello, los organizadores buscaron subrayar la importancia de artistas que entonces estaban lejos todavía de la fama de la que gozan hoy en día.
Más allá de las obras y los autores escogidos, la muestra de 1912 cambió también la propia manera de exponer arte. Por primera vez se crearon un logotipo y un póster para la ocasión e incluso un bar y una tienda donde se ofrecía merchandising sobre la exposición. Algo así como uno de los primeros pasos hacia el concepto de museo como espacio comercial. (En la foto, 'Mujer desnuda con manzana', de Anton Faistauer, de 1911).

Como toda innovación, esta también provocó polémicas. En la prensa de la época muchos críticos atacaron la exposición con algunos de los tópicos que todavía se suelen escuchar en el mundo de los museos: el arte moderno y contemporáneo como una cosa de niños ("mi hijo podría pintar así", dijo un crítico sobre el cubismo), la disociación entre el gran público y el arte del siglo XX ("la exposición expulsa al gran público del templo del arte", escribió otro) y la obra de los artistas como desagradable, alejada del placer sensorial ("una colección más digna de un psiquiatra que de una exposición pública", se pudo leer en un periódico). En la foto, 'La invocación', de Paul Gauguin, de 1903.

NATIONAL GALLERY OF ART, WASHINGTON