Marlene Dumas y el arte de lo esquivo

Uno de los artistas más influyentes de la escena del arte contemporáneo.

2 DE MAYO DE 2022,
ANTONELLA BENANZATO

Las contradicciones emergen con fuerza en la obra de Marlene Dumas, artista sudafricana nacida en Ciudad del Cabo en 1953. Incluso cuando captura a su hija dormida en un tono verde que difumina la imagen hasta convertirla en una neblina difusa, Dumas nos recuerda sus propias experiencias. Esas visiones de un país donde la brutalidad del apartheid reinó suprema durante muchos años. Imágenes que uno desea difuminar hasta que desaparezcan. Y la artista parece entrar en un flujo de conciencia al describir sus obras con los ojos cerrados, tal vez como si no quisiera ver algo que sus ojos pueden ver incluso en la oscuridad.

Esta es la fuerza de su obra, esta es la energía instintiva que transmite su exposición personal "Open End", comisariada por Caroline Bourgeois y ahora en el Palazzo Grassi. Le gusta decir de sí misma: "Soy una artista que utiliza imágenes de segunda mano y experiencias de primera clase. Amor y muerte, cuestiones de género y raciales, inocencia y culpa, violencia y ternura".

La representación del dolor, el sexo y las relaciones —a veces sanas y a veces malsanas— es objeto de investigación para Dumas. En Venecia se exhiben más de 100 de sus obras, que trazan un recorrido pictórico desde 1984 hasta sus años más recientes. Estas obras provienen de la propia Colección Pinault, museos internacionales y colecciones privadas. Marlene Dumas es considerada una de las artistas más influyentes del panorama artístico contemporáneo. Sus retratos sin duda destacan, capturando toda la desesperación, el miedo y el sufrimiento que emanan de ella como una artista que cierra los ojos para evitar ver el dolor, porque el sufrimiento la habita incesantemente. Es increíble cómo las gigantescas obras de cuerpos desnudos, a menudo rozando la obscenidad, evocan un estado de marginación y soledad. Incluso en los numerosos besos representados, persiste esta tristeza insondable, esta marginación irremediable.

En 1976, Marlene Dumas se mudó a Europa para continuar sus estudios y se estableció en Ámsterdam, donde aún vive y trabaja. Si bien en sus inicios fue conocida por sus collages y textos, ahora trabaja principalmente con óleo sobre lienzo y tinta sobre papel. La mayor parte de su obra consiste en retratos que representan el sufrimiento, el éxtasis, el miedo y la desesperación, pero que a menudo también hablan del acto mismo de pintar.

Un aspecto crucial de la obra de Dumas es el uso de imágenes que la inspiran, ya sean de periódicos, revistas, fotogramas de películas o Polaroids tomadas personalmente. En la obra de Dumas, la intimidad se fusiona con temas sociopolíticos, la actualidad o la historia del arte. Toda su producción se basa en la conciencia de que el flujo infinito de imágenes con el que nos bombardean a diario interfiere en nuestra autopercepción y en nuestra forma de interpretar el mundo. Para Marlene Dumas, pintar es un acto eminentemente físico, que interactúa con el erotismo y sus diversas historias.

La obra de Marlene Dumas se centra en la representación de figuras humanas que lidian con las paradojas de las emociones más intensas: "La pintura es la huella del tacto humano, es la piel de una superficie. Un cuadro no es una postal", le encanta repetir.

Los retratos son increíbles, combinando personajes afrikáans con escenas de la vida cotidiana suburbana. Marlene Dumas también trabaja en retratos de artistas y activistas que experimentaron y pagaron en carne propia su diversidad. Es conmovedor ver a Pier Paolo Pasolini retratado con su madre, Oscar Wilde, Lord Alfred Douglas, su amante, Charles Baudelaire, y rostros de mujeres, a veces infantiles, repentinamente imbuidos de la profundidad del retrato más veraz.

A Marlene Dumas le encanta sorprender, y su obra parece cambiar según la trayectoria de la luz, el ambiente o simplemente al cambiar el punto de vista. Los rostros parecen apenas visibles o completamente envueltos en una emoción insoportable. Como si jugara al escondite con quienes intentan definirla, cada una de sus obras parece cambiar según las condiciones de espacio, luz o tiempo. En la invisibilidad del arte auténtico.