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Un niño copia el autorretrato de Lucien Freud en la Royal Academy of Arts de Londres R. DE M.

La brutal honestidad de los selfies de Lucian Freud

La Royal Academy of Arts reúne los autorretratos del pintor

RAFA DE MIGUEL

Londres, 9 de noviembre de 2019

Lucian Freud (Berlín, 1922-Londres, 2011) necesitó saltar del lápiz y el plumín al pincel de marta cibelina, para acabar dando brochazos desesperados con un manojo de pelo de cerda antes de reconocerse a sí mismo por completo. Está en la cúspide de su talento en el último autorretrato de toda la serie del gran pintor figurativo que expone la Royal Academy of Arts (RAA) de Londres (Lucian Freud: The Self-portraits, hasta el 26 de enero). Completamente desnudo salvo unas zarrapastrosas botas sin cordones, que protegen sus pies de los pigmentos de pintura esparcidos por el suelo de su estudio. Freud, nieto del padre del psicoanálisis, muestra su anatomía musculosa y flácida a un tiempo, levanta victorioso la brocha como un guerrero espartano y mantiene la mirada inquisitiva que usó durante décadas para extraer la naturaleza íntima de sus modelos. Una obra cumbre en la que los manchurrones de pintura parecen trozos de carne viva, y llaman la atención la cabeza del pintor, su miembro viril como el colgajo en torno al que gravita su fuerza y la tensión del brazo que dirige el proceso creativo. "Se trata del periodo durante el que, a juicio de cualquier observador, Freud se estaba definitivamente incorporando al club de los Grandes Maestros. Y este autorretrato sugiere que era consciente de ello", ha escrito el crítico de arte Martin Gayford, que ha seleccionado y comentado, por encargo de la RAA,  cinco autorretratos de los más de cincuenta que se pueden ver en la muestra.

Mark Demsteader / Mujeres II

Mark Demsteader

MUJERES II 

Mark Demsteader / Mujeres I

Mark Demsteader

MUJERES l

Lucian Freud / Extraordinaria maestría

Lucian Freud

EXTRAORDINARIA MAESTRÍA

En este blog, sin haberlo pretendido en absoluto, parece existir una regla no escrita: para aparecer en él, el artista ha de estar “vivito y coleando”. Pero hoy tenemos nuestra segunda excepción, ya que la primera fue Hundertwasser: Lucian Freud. Lamentablemente falleció hace un par de semanas, concretamente el 20 de julio, y como tenía en mente dedicarle un post mientras vivía, con muchísima más razón merece ahora este homenaje.

Este artista conocido por su extraordinaria maestría en la representación de las figuras humanas, precisas y realistas, era, un inglés nacido en Berlín en 1922, de familia austríaca. Nieto de Sigmund Freud (fundador del psicoanálisis), emigró a Inglaterra con su familia en 1933, cuando tenía once años, huyendo del nazismo y de la llegada de Hitler al poder. Estudió arte en distintos lugares de Inglaterra. Desde la década de los 50 se han llevado a cabo numerosas exposiciones de su obra por todo el mundo. A pesar de que llegó a Inglaterra muy pronto y siempre vivió en Londres, su pintura parece haber ido revelando progresivamente su naturaleza esencialmente germánica y vienesa (es evidente que tiene un enorme parecido con la obra de Schiele).

Obras maestras de la pintura / Francis Bacon / Una codiciada pieza

Francis Bacon

Una codiciada pieza

'Tres estudios de Lucian Freud' no es un cuadro cualquiera de Francis Bacon

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MANUELA MENA 14 NOV 2013 - 00:17 CET

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El artista Francis Bacon.

Tres estudios de Lucian Freud no es un cuadro cualquiera de Francis Bacon. Data de su época más aguda, en la que el artista se muestra todavía en permanente búsqueda. Ese fondo amarillo, esa perfección de la geometría en que encuadra a su amigo, la elección del fondo... Todo en él es asombrosamente perfecto. En la iconografía clásica, el amarillo está asociado con la envidia. No creo que mediase ese sentimiento entre los dos pintores, que se colocan en un plano muy elevado, en un diálogo intelectual propiciado por un color frío, un lugar en el que para ellos la búsqueda de la belleza y de la perfección son posibles.

Los 14 hijos de Lucian Freud

Lucian Freud

Los 14 hijos de Lucian Freud esperan su legado

CONXA RODRÍGUEZ

LondresActualizado: 11/11/2013




• La muerte del pintor en 2011 los reunió por primera a todos

• Han asegurado que no obstaculizarán la repartición de la herencia

• El único beneficiario es el ayudante del pintor, David Dawson

"Nosotros sabíamos que no era un padre, ni un marido normal, de los que acuden a la puerta de la escuela o de los que se sientan a comer alrededor de la mesa; él estaba encerrado en su mundo, que era el del arte y la pintura, y en él nos metía a alguno de nosotros de vez en cuando", revela Jane McAdam a La Otra Crónica. Jane es hija del pintor Lucian Freud (1922-2011), una de los 14 que tuvo procedentes de seis mujeres y que ahora esperan que les toque algo en el reparto de la herencia del nieto de Sigmund Freud, fundador del psicoanálisis.

Lucian Freud / El señor de la perturbación

Lucian Freud

EL SEÑOR DE LA PERTURBACIÓN

La estupenda exposición de Lucian Freud en el National Portrait Gallery de Londres fue planeada años atrás para celebrar los juegos olímpicos. Freud se mostraba emocionado de reunir 101 de sus mejores retratos e, incluso, de ultimar los detalles de su exhibición. Pero en la primavera de 2011 su salud decayó y falleció a los 88 años, cuando sus obras se vendían en decenas de millones de dólares.

Por Susana Cárdenas Overstall

¿A qué se debe el impacto de estas pinturas? Ante todo, a su gran intimidad. “Los retratos de Freud son la realización de un fuerte vínculo entre el artista y el modelo, una relación ganada a través del tiempo y a puerta cerrada”, dice la curadora de la muestra, Sara Howgate. Crudo. Incómodo. Sin duda, la obra de Freud provoca la reacción morbosa de taparse los ojos con las manos y abrir los dedos para seguir mirando. “Busco asombrar, perturbar, seducir, convencer”, manifestó el nieto de Sigmund Freud, ni más ni menos, en una de las poquísimas entrevistas concedidas en su vida.

Lucian / El nieto de Freud

Lucian Freud y su hija Bella

Lucian, el nieto de Freud

Pilar Rubio

9 de septiembre de 2011

Pocos hombres dejan tras de sí a su muerte una fortuna tan incalculable, una vida tan intensa y tantos descendientes entre los que repartir su herencia como el controvertido y excéntrico pintor Lucian Freud, que ha muerto hace poco en Londres a los 88 años de edad, dejando algunos de los mejores cuadros hiperrealistas de la segunda mitad del siglo XX, y un capital valorado en 143 millones de euros cuya distribución, a buen seguro, generará polémica porque deberán repartírsela entre los 14 hijos, con cinco mujeres diferentes, aunque podrían ser más. Se rumorea que hasta 40. Sin contar con la casa-estudio victoriana de Notting Hill donde Lucian, nieto de Sigmund Freud, el padre del psicoanálisis, pintó la mayor parte de sus obras y que podría convertirse en casa-museo, al igual que la mansión de su abuelo en Hampstead Heath. Y están sus lienzos, sus retratos y desnudos hiperrealistas, de valor incalculable. En el año 2008 se convirtió en el pintor vivo más cotizado cuando vendió su lienzo Supervisora de subsidios durmiendo, en el que aparecía una mujer obesa tumbada en un sofá, por 3,5 millones de euros.

Lucien Freud / El pintor y la modelo

Freud y Ria Kirby con la pintura terminada: Ria, retrato desnudo, 2007

Lucien Freud

El pintor y la modelo

Martin Gayford

22 de octubre de 2007

Tras un encuentro casual con Lucian Freud, la practicante-curadora Ria Kirby aceptó posar para el artista. ¿Qué implica posar para el pintor figurativo más reverenciado del mundo moderno? ¿Cómo es la vida en el estudio de un gran pintor?

Por pura casualidad estuve presente justo en el momento en el que se gestó esta pintura: el día que el artista conoció a la modelo. Ocurrió mientras colgaban los cuadros para una pequeña y nueva exposición de Lucian Freud y de su pintor y amigo Frank Auerbach, el año pasado, en el Victoria & Albert Museum. Aquel día, como cosa muy inusual, Freud parecía estar preguntándose “¿y ahora qué?”. Acababa de terminar varias pinturas, en efecto, que pronto serían exhibidas. De manera que, aquella mañana, mientras Freud observaba colgar sus cuadros, andaba también a la caza de tema para su siguiente trabajo. En ese momento, Ria Kirby, quien trabaja para el museo y había ayudado a colgar la obra, se le acercó al artista para decirle que su obra le parecía maravillosa. Cuando salíamos del museo recuerdo haber oído a Freud cavilar: “Esa niña que acabo de ver... creo que podría trabajar con ella”. 

Jenny Saville / La pintora de la carne

Still (2003)
Jenny Saville
The Metropolitan Museum of Art, New York, 2012
Foto de Triunfo Arciniegas

Jenny Saville

La pintora de la carne

Por sus palabras la conoceréis: "Pinto carne porque soy humana. Cuando trabajas con óleo, es algo natural. La carne es la cosa más bella para pintar".

ELENA CASTELLÓ
27 MAR 2019 

pini

'Juncture', una de las últimas pinturas de Jenny Saville expuesta en Sotheby's, una famosa casa de subastas británica.

Desde niña, a Jenny Saville siempre le han fascinado las "imperfecciones de la carne", su textura, su color y todos los tabúes que representa. Especialmente los del cuerpo femenino. En sus cuadros, de escala monumental, los cuerpos de las mujeres se recuestan, se retuercen, explotan con toda su mezcla de sensualidad y de animalidad. Hoy es una de las artistas británicas más importantes de la historia y sus pinturas han sido comparadas con las de Tiziano y Tintoretto, por su forma de superponer las pinceladas que dibujan la piel, pero también con las de Lucian Freud, uno de los más importantes retratistas del siglo XX. Su autorretrato, con unos muslos gigantescos, se vendió el año pasado en Sotheby's por 10,8 millones de euros, la cifra más alta jamás pagada por una obra pintada por una mujer.

• Elena

  

Jenny Saville. Foto: Elena Cué

Entrevista con Jenny Saville

Interview with Jenny Saville

Elena Cué

02 Junio 2016

La artista inglesa Jenny Saville (1970), perteneciente al grupo de los Young British Artist, deconstruye los conceptos estereotipados de belleza y erotismo del cuerpo femenino desde la perspectiva del arte y la visión masculina, y los amplía. Experimenta con mujeres obesas, con los cambios que sufren los cuerpos, pero sobre todo con el suyo propio que utiliza como modelo y medio de reflexión. Muestra la belleza natural en la individualidad de las mujeres que retrata y la suya propia. Expresa a través del cuerpo estados de sensibilidad que nos vinculan a nuestra propia existencia; carnalidad incomoda, angustiosa, dolorosa... Esa carnalidad en lo figurativo define su lenguaje artístico con una técnica pictórica tradicional. Las figuras son el único centro de atención contenidas en lienzos descomunales que en muchos casos no llegan a abarcan los cuerpos, del mismo modo que nuestro yo tampoco puede controlar su cuerpo. Tanto su pintura como su destreza con el dibujo se desdobla en una multiplicidad de realidades que imprimen movimiento.  

Empezamos nuestra conversación en Londres rodeadas de sus últimos dibujos.

Jenny Saville / La artista viva más cara de la historia

Jenny Saville

Jenny Saville, de los Young British Artists a artista viva más cara de la historia

10.8 millones de euros. Eso es lo que Jenny Saville se ha llevado por la subasta de su óleo Propped en la subasta que la ha convertido en la artista viva más cara de la historia.

Esther Miguel Trula

11 de octubre de 2018

“Propped” (1992

Young British Artists: Según el responsable de Sotheby, la casa de subastas que responsable de la venta, se trataba de “una de las obras maestras indiscutibles de los Young British Artists”. Este fue el colectivo patrocinado y protegido por el mecenas Charles Saatchi, que desde la escandalosa y criticada exposición en Londres de Sensation, en 1997, dio a conocer al mundo a una veintena larga de creadores entre los que estaban buena parte de los artistas de arte moderno más cotizados a día de hoy. Se trató de un evento tan polémico como publicitario. Veinte años después, muchos de ellos, incluidos Saatchi y Saville, podrán decir que mereció la pena.

Francis Bacon / El tríptico que Bacon dedicó a Lucian Freud

El tríptico de Francis Bacon, vendido en subasta por 142 millones de dólares

El tríptico que Francis Bacon dedicó a Lucian Freud, entre las 10 obras más caras de la historia

ABC / NUEVA YORK

Día 13/11/2013 - 11.38h

Fue vendido por 142 millones de dólares en Nueva York, con lo que se convierte en la pintura más cara jamás subastada

No hay duda de que el pintor angloirlandés Francis Bacon es uno de los artistas modernos más cotizados en el mundo del arte. Y prueba de ello es que el tríptico que dedicó a su amigo y también pintor Lucian Freud en 1969, considerado como una de sus obras más icónicas, fue subastado en Nueva York por 127 millones de dólares, lo que ha supuesto el récord en el precio de un cuadro del artista y lo convirtió en uno de los diez más caros de la historia. Era la primera vez que este tríptico era subastado. El precio final, con impuestos, llega a los 142,4 millones de dólares.

David Hockney / “Cuando pinto siento que tengo 30 años”

Dos horas y media con el artista vivo más famoso del mundo en su casa de Hollywood, entre el humo de cigarros, el espíritu de Rembrandt y las nuevas tecnologías.

DAVID HOCKNEY 

“Cuando pinto siento que tengo 30 años”

Pablo Ximénez De Sandoval10 DE OCTUBRE DE 2016

Self-Portrait with Charli
David Hockney

LE IMPORTA SI FUMO?”. La pregunta resulta crucial en casa de David Hockney. La formula nada más conocerte. Y hay que contestarla sabiendo que es un tema capital en su vida. “Por supuesto, está en su casa”. Pero fuera de estas paredes, no estaría tan claro. Inmediatamente echa mano de la caja roja de Davidoff Magnum Classic. Al lado hay otra, de Blue Wides de Camel. Fumará indistintamente de los dos durante dos horas y media.

Es una mañana fresca y luminosa de otoño de esas que hacen que Los Ángeles se parezca a Los Ángeles. La casa en la que Hockney vive desde hace 35 años está escondida junto a Mulholland Drive, en una zona de mansiones antiguas en las colinas de Hollywood. La vivienda se eleva en medio de un jardín muy tupido, con árboles a los que han dejado crecer para que la envuelvan. Una pasarela lleva al estudio, donde espera el pintor vivo más famoso del mundo.

A Bigger Splash, 1967
David Hockney

SUS DROGAS SON EL TABACO Y LA MARIHUANA. TIENE UNA TARJETA DE COMPRADOR DE HIERBA MEDICINAL. FUMA POR LAS NOCHES, LE AYUDA A DORMIR

Sunbather,1966
David Hockney

Hockney (Bradford, Inglaterra, 1937) se levanta de un sillón desvencijado en el centro del estudio. Junto a las cajetillas de tabaco hay un batido de proteínas que toma como desayuno. Lo primero que hace es enseñar los trabajos de su próxima exposición. Son pinturas hechas en iPad, una herramienta cuyas posibilidades ha exprimido en los últimos años. En una pantalla, Hockney proyecta la evolución de las pinturas desde que solo son un fondo hasta que están terminadas. El soporte digital, dice Hockney, “es un papel infinito”. “Es interesante de mirar, ¿verdad?”. Un cuadro de 20 o 30 horas de trabajo, explica, queda reducido a 9 minutos de proyección. “Esta es la primera vez que me veo a mí mismo dibujar, es la primera vez que me lo puedo enseñar a mí mismo”.

Jenny Saville / La estética de la obesidad

Jenny Saville

Estética de la obesidad

Cuando la pintura se pregunta por la belleza de las mujeres gordas lo que está en juego es una investigación estética que pasa por los materiales, el color, la figura, la composición. Jenny Saville es una de las pintores más inteligentes en estos términos.

Sandra Barba

11 de octubre de 2011

La pintura también se trata de pintura 

Sospecho que el arte feminista empieza a aburrirnos. En ciertas reseñas, en uno que otro artículo, se entreve el fastidio. Aceptemos que hay algo de razón en uno de los reclamos más frecuentes: “no basta con llevar, de las calles a la pintura, los lemas de la protesta, las rimas de la marcha” y concedamos que algún tipo de fraude se comete cada vez que una causa política se trasplanta de manera simplona al arte. Representar la diversidad y reivindicar a las minorías son objetivos legítimos para las instituciones pero quizá sean insuficientes –al menos, por sí mismos– a la hora de decidir cuáles son los cuadros que deben colgar de las paredes de los museos y las galerías. Después de todo, la pintura también se trata de pintura, y no solo de democracia.

Branded (detalle), Jenny Saville, 1992. 

Las mujeres obesas son el batallón más nuevo en las filas de la diversidad. De unos años para acá, no han dejado de surgir voces que apuntan contra el imperio de la delgadez – empresas como Dove han tenido que redefinir sus campañas publicitarias para acercarse al cuerpo promedio de las estadounidense y ahora se organizan pasarelas de moda alternativas en algunas ciudades. El Fat Acceptance Movement también ha desmentido una de las creencias más arraigadas: el sobrepeso no siempre pone en riesgo a la salud.

Sin embargo, la entrada de las mujeres obesas a la pintura no puede apoyarse exclusivamente en la muleta de lo políticamente correcto. Declarar que “todos somos bellos” es suficiente para las canciones que se vuelven himnos, pienso enBeautiful de Christina Aguilera; aunque también es cierto que las demandas pop suelen rayar en el discurso de autoayuda –en el jingle, la cita célebre o el mantra que apenas consigue levantar momentáneamente la autoestima– haciendo que el eslogan “todos somos bellos” pierda su carga emotiva y, por lo tanto, su efectividad. La pintura, en cambio, no puede conformarse con la retórica. Cuando esta se pregunta por la belleza de las mujeres gordas lo que está en juego es una investigación estética que pasa por los materiales, el color, la figura, la composición. Jenny Saville es una de las pintores más inteligentes en estos términos. Su revisión del cuerpo no se marea en frases pegajosas ni en lemas políticos. 

Estética de la obesidad

Plan, Jenny Saville, 1993.

Jenny Saville se para frente al espejo y observa la piel delgadísima que pende bajo sus ojos –casi una hoja de papel que podría rasgarse de tan fina. Coloca una cámara en el piso y se fotografía desde el ángulo más desfavorecedor para las mujeres; de abajo hacia arriba y sin sentir vergüenza, Saville estudia el peso de cada parte de su cuerpo. Aprecia que sus mejillas cuelguen. La papada tiene la caída de una tela pesada y cara. Luego se levanta los senos –dos lujosas masas de carne, dos volúmenes que deben pintarse– y repara en el color morado de las venas, que algo tiene de fantasmagórico contra esa piel caucásica y fosforescente de tan blanca. El cuerpo se acomoda en cascadas de bultos y grasa. Los muslos gordos, anchos, rotundos tienen la consistencia de la lecha cortada.

Solo Saville es capaz de hacer de la panza el foco de la imagen. Pero sus pinturas no se asemejan a las fotografías de los cuerpos obesos que ilustran los libros de medicina; tampoco se inspiran en las tomas de frente y de perfil que sirven para promocionar productos dietéticos o aparatos para ejercitarse en casa. No. Para Saville el cuerpo es un material que ofrece una gama de volúmenes, de posibilidades para modelar la carne. No hace falta contener la respiración, fingirse un abdomen liso, contorsionarse para dar con la postura que oculte las lonjas ni perseguir el equilibrio de luz y sombra que disimule el sobrepeso. La estética de la obesidad encuentra en el óleo una pintura cremosa que se regodea en la masa; a cada oportunidad, Saville cita a De Kooning: flesh was the reason why oil painting was invented.

Bacchanal, Peter Paul Rubens, siglo XVII.

Fulcrum, Jenny Saville, 1999.

 

Tanto para Saville como para Rubens, los cuerpos son esculturas de carne que apuestan por la monumentalidad. ¿Qué si la cara se hincha? ¿Qué si el cuerpo se desborda ocupando casi todo el espacio del cuadro? No se trata de que haya menos sino de que haya más. Que haya demasiado para entonces apreciar la plasticidad del cuerpo. Mientras que el pintor barroco acomodaba los cuerpos desnudos y gordos en orgías barrocas; la artista inglesa puede apilar las mismas figuras en composiciones grotescas. Hay en ambos un nuevo pecado: la gula de la vista –y el espectador se llena los ojos como el comensal, la boca.

Campaña Real Beauty de la empresa Dove. 

No se trata de agradar –las mujeres de Saville nunca sonríen. Su pintura no es el paralelo artístico de la campaña de Dove que reunió a las “gordas bonitas” en la celebración de la belleza real para promocionar jabones. Sin decepcionarse por el cuerpo pero, sobre todo, sin proclamas simplonas, los óleos de Saville son una investigación plástica, cromática y compositiva de la obesidad. Y si algo afirman, en su devoción por la materia, es que la carne es presencia.

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