Como no es fácil traducir la expresión Easy Rider al español, a alguien se le ocurrió la peregrina idea de subtitular la película, al menos en España, con aquel añadido de Buscando mi destino, continuando así con esa costumbre tan española (y tan estúpida) de cambiar los títulos. Por cierto, descubro que nuestros hermanos argentinos tienen una costumbre parecida: allí se estrenó como Busco mi camino.
‘Her’, ‘Joker’, ‘Gladiator’, ‘Two lovers’... Todas las películas de Joaquin Phoenix, de la peor a la mejor
Esta noche, el actor puede conseguir su primer Oscar por 'Joker'. Sería un premio a una carrera que comprende una treintena de películas en las que se ha ganado el apelativo de "actor más perturbador de su generación". Pero no todo han sido triunfos
Juan Sanguino
9 de febrero de 2020
Tras abandonar la secta Hijos de Dios, el matrimonio Bottom se cambió el nombre a Phoenix para simbolizar su renacer e inscribieron a sus cinco hijos en una agencia de actores infantiles. Joaquin(San Juan, Puerto Rico, 1974) también se puso un nombre artístico, Leaf (“hoja”) porque se sentía excluido de la temáticahippiede sus hermanos (River, Summer, Rain, Liberty) y apareció en cuatro películas con ese nombre. Son filmes irrelevantes de sus inicios con pequeños papeles que no hemos incluido en esta lista.
El crepúsculo de los dioses: por qué Al Pacino y Robert de Niro llevan 25 años malgastando su talento
‘El irlandés’, la última película de Martin Scorsese, reúne de nuevo en la pantalla a dos mitos del séptimo arte defenestrados, durante décadas, del primer nivel de Hollywood
Carlos Megía
11 de noviembre de 2019
Su condición de leyendas vivas es tan indiscutible como su trayectoria. Uno, Robert De Niro, es el mejor intérprete de la historia del cine según los datos de un estudio británico. El otro, Al Pacino, ostenta papeles inolvidables suficientes como para cimentar sobre ellos una fe religiosa. “Yo no creo en Dios, creo en Al Pacino”, repite un evangelizado Javier Bardem. Pero las últimas décadas no han sido fáciles para sus beatos. Pacino (Nueva York, 1940) y De Niro (Nueva York, 1943) se reencuentran de nuevo en la gran pantalla en El irlandés, lo nuevo de Martin Scorsese que se estrena el 15 de noviembre en salas y el 27 del mismo mes en Netflix. Considerada por la crítica como una de las mejores películas de lo que va de año y segura contendiente en la temporada de premios, también es vista como el canto de cisne de dos estrellas que llevan décadas malgastando su legendario talento en el purgatorio del streaming. Con una filmografía reciente repleta de thrillers policiacos con aspiración a sobremesa y comedias calificadas por algunos críticos como "cargantes", ¿qué han hecho mal los intérpretes este siglo para estar más cerca del Razzie [premios a los peores del año] que del Oscar?
Un documental en el festival de Edimburgo analiza orígenes, claves e impacto de 'Alien', la célebre película de Ridley Scott
Tommaso Koch
Edimburgo, 28 de junio de 2019
Faltaba algo y Dan O’Bannon lo sabía. Sin embargo, no conseguía descubrir qué. Una y otra vez, su borrador se estrellaba contra la página 29: más allá, solo había niebla. Memory, el proyecto que escribió en 1971, hablaba de un grupo de astronautas que viaja por el espacio. Cuando su nave recibe una señal, investigan su procedencia. Aterrizan en un planeta que acaba influyendo sobre ellos. Y punto. El filme no podía terminar ahí, pero O’Bannon no veía la salida. Por lo menos, el huevo embrionario de Alien, el octavo pasajero estaba colocado: solo necesitaba que se acercara una buena idea para asaltarla.
Intervino, entonces, un trío peculiar. El morbo de Crohn, que O’Bannon comenzó a padecer, le dio dolores casi mortales pero también una inspiración. Su pasión por los insectos llevó su mente hacia las avispas parásitas. Finalmente, compartió sus ocurrencias con su amigo y guionista Ronald Shusett. Pocos días después, este aportó la luz: “¡Un alienígena viola a uno de los astronautas! Salta sobre su cara y le deja su semilla“. Concordaron que, después, emergería de su pecho. O’Bannon lo celebró: “Creo que ya lo tenemos todo”. El resto es historia.
El propio Shusett lo recuerda enMemory: The Origins of Alien, un documental de Alexandre O. Philippe que se proyecta estos días en el festival de cine de Edimburgo –al que este diario ha sido invitado por la organización-. El filme pone la lupa sobre la génesis y el impacto de la obra maestra de Ridley Scott, de cuyo estreno se cumplen 40 años. A través de entrevistas con miembros del equipo original y expertos, vídeos de archivo de O’Bannon o H. R. Giger, el artista que ideó el aspecto del xenomorfo –ya fallecidos ambos-, y fragmentos del guion,Memory: The Origins of Alienanaliza las claves que contribuyeron a forjar el mito. Se subraya la influencia de Lovecraft, de las furias de la mitología griega, de filmes comoEl enigma de otro mundooTerror en el espacio, o del cómicSemillas de Júpiter. O se rememora cuando Scott se encerró en un cuarto a leer el guion y desde fuera solo se le escuchaba repitiendo: “¡Joder!”, “¡Joder!”.
Y eso que, antes que los tripulantes de la Nostromo, muchos intentaron abatir a Alien. O’Bannon y Shusett necesitaban un dinero que nadie estaba dispuesto a darles, por más que vendieran su obra como “Tiburón, en el espacio”. Aquello era distinto y daba vértigo a los inversores. Finalmente, tras demasiados noes, apareció la compañía Brandywine. Aunque sus responsables metieron mano al guion, chocando con los creadores originales. El propio Shusett les reconoce sin embargo que introducir el androide Ash fue brillante.
Las conexiones de Brandywine con Fox, que había rechazado el proyecto, y sobre todo el éxito en taquilla de Star Wars en 1977, subieron a bordo también a la major. O’Bannon fue descartado para la dirección, que recayó en un joven que había asombrado a la industria con Los duelistas. A Ridley Scott se debe también mucho de la leyenda de Alien: su ritmo lento –“durante 45 minutos no ocurre nada”, defiende un experto en el documental-, las apariciones mínimas del xenomorfo –apenas cuatro minutos-, la incomodidad constante, las repetidas alusiones sexuales. En Memory, se cuenta que Scott, aburrido ante las dudas de Fox, dibujó todo el storyboard de la película. Cuando lo entregó a la compañía, le duplicaron el presupuesto, hasta superar los ocho millones de dólares. El trío decisivo fue completado por H. R. Giger, quien dibujó las inquietantes formas de Alien, inspirándose, entre otras cosas, en Tres estudios para figuras en la base de una crucifixión, de Francis Bacon.
De ahí Giger sacó, en parte, la forma de la criatura en la secuencia del pecho. Para Ridley Scott, de aquel momento dependía todo el filme. Tanto que el reparto hubo de esperar en otra sala, durante horas, a que el plató estuviera listo, incluida la marioneta que debía romper las entrañas y la camiseta de Kane. Los intérpretes sabían a grandes rasgos qué ocurriría, pero su reacción de sorpresa es tan real como el disgustoso olor que inundaba la habitación. Veronica Cartwright, que interpretaba a Lambert, recuerda que se vio de golpe empapada de sangre, y hasta se resbaló. Yaphet Kotto (Parker) se pasó la tarde sin hablar con nadie.
Desde entonces, sin embargo, millones de cinéfilos han debatido sobre ello. Y sobre el filme. Una estudiosa afirma en Memory que “Alien va de la culpabilidad de la sociedad patriarcal: la fantasía del embarazo masculino, la penetración, la violación…”. La cineasta Axelle Carolyn recuerda la casualidad de que Ripley fuera una mujer –O’Bannon escribió los personajes sin especificar su sexo- pero destaca: “Es delirante que no tengamos tantos papeles femeninos tan buenos”. Otros entrevistados de Memory ven una crítica al imperialismo (el mismo año en que se estrenó Apocalypse Now) o la reflexión sobre la clase obrera. Al fin y al cabo, Alien no habla de princesas y caballeros: se centra en trabajadores, que se llaman por sus apellidos, cumplen órdenes y luchan por sobrevivir. “Es un filme realista”, se atreve uno de los entrevistados de Memory. “Star Wars nunca sería posible. Alien, en un futuro, sí”. Cuesta considerarla una buena noticia.
Para convertir un cuento de 20 páginas en una película de dos horas y media, más que audacia, hay que tener ideas. Y el coreano Lee Chang-dong posee talento e ideas
Para convertir un cuento de 20 páginas en una película de dos horas y media, más que atrevimiento o audacia, hay que tener ideas. Y el coreano Lee Chang-dong, además de ideas, posee talento y estilo.
BURNING
Dirección: Lee Chang-dong.
Intérpretes: Yoo Ah In, Steven Yeun, Jun Jong-seu, Gang Dong-won.
Género: drama. Corea del Sur, 2018.
Duración: 148 minutos.
Quemar graneros, inquietante relato de Haruki Murakami, contenido en su formidable colección de cuentos El elefante desaparece, donde lo cotidiano se transforma en misterioso en apenas una línea, se ha convertido en Burning, película de Lee, que, más que completar un relato abierto por múltiples costuras por el escritor japonés, maravillosamente ambiguo, lo que hace es incidir en su enigma desarrollando unos personajes apasionantes y unas actitudes fuera de norma.
Nacido en Düsseldorf, Alemania en 1945, este gran artista tiene, como muchos otros, varias aristas mediante las cuales expresa su inclinación artística, ya que además es fotógrafo, productor, autor y dramaturgo. En su obra es notoria su obsesión por el cine, los comics y la cultura pop en general de EEUU e Inglaterra. Debido a esto se ha convertido en el director más Americano del Nuevo Cine Alemán al cual pertenece.
The Crossing, el cortometraje-prólogo oficial para Alien:Covenant, revela qué pasó a los miembros de la tripulación - la Dra. Elizabeth Shaw y el androide David - después de los ocurrido en Prometheus.
Localizada en una de las naves abandonadas, la Dra. Shaw repara a David mientras continúan su búsqueda.
Director: Ridley Scott
Reparto: Michael Fassbender, Katherine Waterston, Billy Crudup, Danny McBride, Demián Bichir, Carmen Ejogo, Amy Seimetz, Jussie Smollet, Callie Hernandez, Nathaniel Dean, Alexander England, Benjamin Rigby
Eyes Wide Shut, o como en su traducción en español “Ojos bien cerrados” es la última obra maestra del gran cineasta, que lastimosamente no pudo verla en su edición final, ya que murió misteriosamente antes de su estreno.
Es una de las obras más incomprendidas de Kubrick, quien siempre contó con una gran libertad de hacer lo que quisiera con sus películas, sin presiones de los productores (algo que muchos directores no tienen). Además de incomprendida, ha sido muy infravalorada.
La historia protagonizada por Tom Cruise y Nicole Kidman, cuenta la historia de una pareja que lleva una buena vida de casados y 9 años de matrimonio (aproximadamente casi los mismos que llevaban Cruise y Kidman de su matrimonio en la vida real, recordemos que terminaron luego de rodar esta película). William Harford (Cruise), es un médico prestigioso de Nueva York y Alice (Kidman) es su esposa, con quien tiene una pequeña hija. La película inicia cuando la pareja se está alistando para asistir a una fiesta de un amigo de William con mucho dinero, Victor Ziegler (Sydney Pollack). En esa fiesta, ambos encuentran distintas tentaciones a las que finalmente no acceden.
Nicole Kidman
Aunque no acceden, ambos muestran superficialmente que no están pasando un buen momento en la relación, a pesar de que todo transcurre aparentemente bien y con normalidad. Hasta que en una noche, antes de acostarse, ambos discuten sobre el amor y la fidelidad entre hombres y mujeres; es entonces cuando Alice le confiesa a su esposo una fantasía que tuvo hace un tiempo con un marinero, con quien estuvo a punto de dejarlo, si sólo el marinero se lo hubiese propuesto. Después de esta confesión William no puede sacarse la imagen de su mujer con el marinero juntos, aunque nunca haya pasado nada. Y es a partir de allí donde se desarrolla el resto de la trama, y para mí el gran mensaje de la película.
Aunque dos de sus más enigmáticas novelas, tan concisas que estallan entre las manos, El cartero siempre llama dos veces y Doble indemnización, dieron lugar a tres de los más secos puñetazos a los ojos que ha dado Hollywood, James Cain odiaba con toda su alma el cine. Trabajaba para él, a veces vivía de él, pero lo despreciaba, aunque escribiese maravillas como Western Union, aquella galopante pesadilla filmada por Fritz Lang sobre el pellejo del viejo Oeste. Si Cain odiaba el cine, a Raymond Chandler le gustaba mucho, pero odiaba a quienes lo hacían. Los consideraba unos incorregibles palurdos, una panda de rebuznadores y de feriantes sin talento y con dinero, que sobornaban a escritores aristócratas como él para meter algo de nobleza dentro de sus latas de feo y plebeyo celuloide impregnado con la cáscara de las novelas que compraban para filmarlas y luego, filmándolas, convertirlas en papel de retrete.
La cineasta inaugura la sección “Una cierta mirada” con la cinta ‘The bling ring’, protagonizada por la joven estrella Emma Watson. Se trata de una historia sobre la banalidad de la sociedad mediática y el culto a la fama.
Por Gregorio Belichón
El País de España
Sofía Coppola sigue provocando, a sus 42 años recién cumplidos, una inmensa duda: ¿son sus películas vacías y hechas por una niña o está usando su conocimiento para retratar la cara más banal y hueca de la sociedad actual? El jueves, The bling ring inauguró con bombos y platillos la sección “Una cierta mirada”, y un escalofrío recorrió las espaldas de los espectadores. Porque sus protagonistas son una pandilla de adolescentes adinerados de California que entran en casas de los famosos y se pasean por sus mansiones.
Alcohol, frustraciones, sexualidad reprimida, miserias... En La noche de la iguana, el dramaturgo Tennessee Williams volvió a combinar el abanico de ingredientes emocionales con los que había estado experimentando a lo largo de toda su carrera. El director John Huston los envolvió en una atmósfera sofocante de aislamiento, calor y humedad, y, entre los dos, cocinaron una obra maestra a fuego intenso.
El guion estaba basado en la obra del mismo título que había triunfado en Broadway con Bette Davis como protagonista. John Huston consiguió un reparto estelar: Richard Burton, Ava Gardner, Deborah Kerr y Sue Lyon, que después de haberse dado a conocer en Lolita se había convertido en el icono de la precocidad sexual. Todos estaban en lo más alto de su popularidad. Consciente del impacto que podría tener la presencia de todas aquellas estrellas en el lugar de rodaje y de la revolución mediática que podrían ocasionar, Huston se decantó por una localización aislada. La película se rodó en la localidad mexicana de Puerto Vallarta que, por entonces, no pasaba de ser una remota aldea de pescadores. El elenco de estrellas se instaló allí durante semanas, en una convivencia que puede que sirviera para que los actores se acercaran al estado emocional de sus personajes, pero que a priori era temible. Una reunión de egos en la que todo hacía presagiar que saltarían chispas, más aún teniendo en cuenta que –todo el mundo lo sabía– no era difícil trazar en aquel grupo conexiones de tipo sentimental. Sin ir más lejos, Peter Viertel, marido de Deborah Kerr, había tenido un lío previo con Ava Gardner. Curándose en salud, antes de viajar a Puerto Vallarta, Huston reunió a sus actores y regaló a cada uno de ellos un revólver Derringer. "Dentro hay unas balas doradas en las que están escritos los nombres de los demás", les dijo. "Si las necesitáis durante el rodaje, utilizadlas, y así me evitáis a mí problemas".
Contra todo pronóstico, nadie echó mano de su arma. Y eso a pesar de que, al parecer, el alcohol fluía a oleadas, con un Richard Burton que desayunaba cerveza y una Ava Gardner que trataba de ahogar la inseguridad que le provocaban algunas escenas. A Puerto Vallarta también se trasladó Tennessee Williams, que ayudaba a Huston cuando este se estancaba con algún diálogo; el novio de Sue Lyon, a quien el director prohibió acercarse al plató porque no dejaba de darse arrumacos con la actriz, y también Liz Taylor, que se instaló allí para acompañar a Richard Burton y que trabó una relación tan estrecha con el sobrino de un vecino que, meses después, volvería para asistir a su primera comunión. En sus memorias Ava Gardner sólo tuvo halagos para la Taylor y, ante tanta armonía inesperada en un rodaje que se preveía tumultuoso, la prensa desplazada hasta la zona no tuvo más remedio que entretenerse escribiendo acerca del lugar. La noche de la iguana supuso un antes y un después para Puerto Vallarta que, a partir de entonces, empezó a transformarse en un centro turístico. "Fue una bendición a medias", diría John Huston años después. “Las playas se llenaron de hoteles y grandes y edificios de apartamentos. Los habitantes se convirtieron en camareros, doncellas y policías. La mayoría de las tiendas están orientadas al turismo, pero el agua es potable, la fiebre tifoidea y el tifus casi han desaparecido. Los niños tienen tantas posibilidades de nacer vivos como en cualquier lugar de Estados Unidos y ahora hay escuelas”.
La noche de la iguana ganó en 1965 los Oscar a mejor fotografía, dirección artística y mejor actriz de reparto, para Dorothy Jeakins. Ava Gardner, sin embargo, ni siquiera consiguió una candidatura. Ganó, eso sí, el premio a mejor intérprete femenina en el Festival de San Sebastián, y hoy todo el mundo coincide en que La noche de la iguana es una de sus mejores interpretaciones. Un gran texto de Tennessee Williams. Una de las grandes películas de John Huston.
La historia protagonizada por Tom Cruise y Nicole Kidman, cuenta la historia de una pareja que lleva una buena vida de casados y 9 años de matrimonio (aproximadamente casi los mismos que llevaban Cruise y Kidman de su matrimonio en la vida real, recordemos que terminaron luego de rodar esta película). William Harford (Cruise), es un médico prestigioso de Nueva York y Alice (Kidman) es su esposa, con quien tiene una pequeña hija. La película inicia cuando la pareja se está alistando para asistir a una fiesta de un amigo de William con mucho dinero, Victor Ziegler (Sydney Pollack). En esa fiesta, ambos encuentran distintas tentaciones a las que finalmente no acceden.
