Lydia Okumura, Verde y rosa, 2002. Cortesía de Nara Roesler

Japan in/out Brazil

4 de septiembre - 5 de octubre de 2024 en la Galería Nara Roesler de Nueva York, Estados Unidos

22 DE AGOSTO DE 2024

Nara Roesler New York se complace en presentar Japan in/out Brazil , una exposición colectiva que reúne el trabajo de tres artistas de diferentes generaciones que comparten orígenes japoneses y nacieron o tienen estrechos vínculos con Brasil: Tomie Ohtake (1913-2015), Lydia Okumura (1948) y Asuka Anastacia Ogawa (1988). Aunque todas son de origen japonés y pertenecen a su diáspora en Brasil, estas tres artistas pertenecen a diferentes generaciones. Mientras que Tomie Ohtake nació a principios del siglo XX y comenzó su producción en la década de 1950, Okumura dio impulso a su poética en la década de 1970, una época de gran efervescencia en el arte conceptual, y Asuka Anastacia Ogawa es de una nueva generación de pintores contemporáneos.

Tomie Ohtake es un ejemplo emblemático de la diáspora japonesa en el arte brasileño, sobre todo por su espíritu pionero. Con una obra inicialmente figurativa, la artista se desplazó rápidamente hacia la abstracción, en la que combinó elementos gestuales con un rigor formal característico de la abstracción geométrica. A partir de la década de 1970, comenzó a trabajar con grandes áreas de color y marcos que sugieren la continuación de una composición más allá del espacio del lienzo. Con el uso de la pintura acrílica, a partir de mediados de la década de 1980, comenzó a crear tonalidades y a hacer visibles las capas cromáticas superpuestas, creando una abstracción de aspecto cósmico. También desarrolló un cuerpo de trabajo escultórico, que está representado en la exposición por una obra de la serie Tubulares, desarrollada en la década de 1990. Su forma tubular y aspectos sinuosos, similares a un gesto pictórico, transmite ligereza en oposición a la naturaleza del material del que está hecha (acero al carbono).

Lydia Okumura, por su parte, es una importante representante del arte conceptual brasileño, una tendencia que ganó fuerza en el país hacia finales de la década de 1960. A diferencia de sus contemporáneos, que gradualmente fueron orientando sus producciones hacia algo más experimental, las primeras creaciones de Okumura ya demostraban un alto grado de innovación, ya que concebía sus obras no como objetos artísticos acabados, sino como situaciones visuales que impactaban directamente en la percepción del espectador. A través de dibujos e intervenciones en el espacio, la artista creó instalaciones y obras site-specific que jugaban con la sensorialidad del público, invitándolo a interactuar y ser parte de la obra. A partir de la década de 1980, Okumura llevó estos experimentos ópticos a la pintura, creando composiciones que exploraban elementos geométricos y la ambigüedad entre dos y tres dimensiones.

La relación entre elementos culturales japoneses y brasileños es muy visible en la obra de Asuka Anastacia Ogawa, una joven pintora que nació en Japón pero pasó parte de su infancia y adolescencia en Brasil, antes de trasladarse a Europa y Estados Unidos, donde completó su formación. En su obra pictórica, la artista representa personajes andróginos, infantiles, de ojos grandes y piel negra. Los fondos son de colores neutros y saturados, a veces intensamente luminosos. La representación frontal de estos personajes, así como el fondo algo abstracto, sugieren que tienen un fuerte contenido espiritual. Los títulos de los cuadros hacen referencia tanto a los antepasados de Ogawa como a elementos ancestrales de las culturas de Japón y Brasil.

La exposición reúne así diferentes contribuciones de tres artistas de diferentes generaciones que formaron parte de la diáspora japonesa en Brasil, mostrando que esta diáspora no sólo tuvo un papel importante en la historia del arte en el país, sino que continúa proporcionando vías para pensar la producción contemporánea.