Obras maestras de la pintura / Picasso / Las señoritas de Avignon

Pablo Picasso
Las señoritas de Avignon, 1907
Museum of Modern Art, NY, 2012
Fotografía de Triunfo Arciniegas

OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURA

Pablo Picasso

Las señoritas de Avignon

Lina María Pérez
CIEN AÑOS DE UNA INTUICIÓN

Las señoritas de Avignon,  de Pablo Picasso, es considerada   la  obra que inicia el arte  moderno.  Los primeros bocetos  fueron dibujados en 1906. 

Son cinco mujeres.  Todas desnudas y altaneras.  Son putas  contentas de serlo, y están bien dispuestas para ser observadas y despertar morbos y fantasías. Con su carga de provocación  clavan sus ojos de máscara a quien las contempla, como si se hubieran puesto de acuerdo para insultar la sensibilidad de los desvergonzados que las miran. Son irreverentes; desafían con su descaro y se jactan de su mundo  que supera las dos dimensiones.  En esa enorme superficie  casi cuadrada, los cinco cuerpos dueños cada uno de su propia  insolencia, exhiben la maestría  de Picasso,  el genio que se atrevió a inventarlas después de haber desobedecido los dictados del arte tradicional. 700 bocetos plasman las intuiciones que se fueron haciendo forma y color en una pintura subversiva. Son la prueba del estudio sistemático de las transgresiones del artista: uso arbitrario del desnudo femenino, colores sin graduaciones, líneas simples, trazos firmes, espacios plurales  y  su audaz  idea de composición  opuesta a la convencional.

            Las mujeres perturban, se saben dueñas de su poder para impactar con la abierta ostentación de su desnudez. Cada una privilegia la fuerza de su presencia, como si presumieran ser el centro del cuadro. Y sus ojos  elipsoides y sus poses desvergonzadas  buscan la complicidad  o la  aprobación, o quizá la irritación del espectador.  Y a la vez, la  paradoja está en que cada una reafirma  su lugar en el conjunto, como si no quisieran desprenderse de la sabia intuición estética que las creó para estar juntas. Ellas viven dentro de su realidad, en ese lado de su espejo donde  funciona otra lógica: la desmesura de formas, la superposición de planos, la yuxtaposición de volúmenes. Y desde allí contemplan arrogantes la otra realidad, la del frente de su lienzo en una sala del Museo de Arte Moderno de Nueva York,  espectadores desconcertados las desean o las repudian.    

¿Son bellas? Dentro de una estética convencional pueden parecer deformadas, desfiguradas. Sus gestos con escuetas rayas y sus cuerpos retorcidos resultan ambiguos. Y es ahí donde reside su misterio. El balance en la composición y  la armonía del conjunto exigen una experiencia visual y estética única.  Ellas no buscan la belleza, no sonríen, ni siquiera  cuentan  una anécdota. Están allí como testimonio de una obsesión: Picasso intuía y experimentaba  una nueva manera de interpretar lo real para romper  con la repetición mecánica del pasado. Ellas se dejan imaginar en las líneas que  la mano sabia dibuja. Las figuras se hacen cuerpo y gesto en las certezas del pintor, en la intensificación  del efecto estético de lo femenino, en las posturas caprichosas, en el lienzo que apenas cubre o descubre los torsos, en las frutas y en los retazos de cristales rotos del fondo. No son las mujeres idealizadas por la escultura antigua recreadas en el Renacimiento y mil veces representadas por pintores como Ingres a quien Picasso observó para superarlo. El modelo académico del desnudo que recuerda el ideal de belleza clásico de la Venus de Milo dará un giro su aguda sensibilidad. Las poses atrevidas de estas señoritas muestran su reflexión sobre la tradición artística y su búsqueda de una nueva expresión. Ellas hablan un lenguaje moderno que sepulta, no la misma tradición, sino las convenciones que sostuvieron sus pilares.

Hace más de cien años, en 1906,  Picasso vivía y pintaba en un taller  en el viejo edificio de Montmartre, el Bateau-Lavoir. Allí empezó los primeros bocetos, y uno tras otro, se constituyeron en un laboratorio plástico que habría de culminar el año siguiente con la pincelada definitiva del cuadro. El artista pasaba penurias; compartía una vida miserable con su amante, Fernande Olivier,  siempre celosa de que él pintara féminas del bajo mundo. Precisamente quiso plasmar en el lienzo su impresión sobre las prostitutas  del antro bohemio  de la Carrer d’ Avinyó en Barcelona. Por sugerencia del escritor Guillermo Apollinaire tituló su cuadro: El burdel  filosófico.

Ese año París  entierra a Cezanne y  abre  la retrospectiva de Gauguin en el Salón de Otoño. Palpitan las fecundas búsquedas de nuevas expresiones de Matisse, Modigliani, Soutine, Chagall... Monet continúa sus exploraciones con los efectos de la luz y las nieblas, y Rodin y Degas plantean nuevos problemas en la manera de representar la figura humana. Pero este conjunto de mujeres osadas que se están gestando en el frío taller de Montmartre, van  a desafiar  las indagaciones de estos  artistas con  la propuesta audaz de  una forma hasta ahora inédita de construir  un cuadro.

Picasso fue consciente de haber pintado una obra revolucionaria con conceptos revolucionarios: inventó y no reprodujo; imaginó y no representó; hizo abstracción y no copió. Lo terminó en el verano de 1907 y lo enseñó a algunos artistas para revelarles que  una imagen natural se puede mostrar con múltiples recursos expresivos. Se burlaron de él y las despreciaron a ellas. André Derain pensó que Picasso había enloquecido y que algún día lo iban a encontrar  ahorcado  detrás de  su cuadro. A Georges Braque le pareció un adefesio, como si el artista hubiera bebido petróleo para escupir fuego. Sí, Braque, el mismo que seguiría un camino paralelo a Picasso para desarrollar el cubismo, cuyos principios estéticos ya se vislumbran aquí. Algún visionario quiso comprar la pintura pero él  se negó y la guardó  durante nueve años. A mediados de los  años veinte, accedió a venderla a un decorador que la renombró Las señoritas de Avignon en una referencia  poco afortunada a la población francesa y que diluye la verdadera fuente española.

Ellas, las cinco mujeres son irreverentes igual que Picasso lo fue. La pintura desconcertó a los contemporáneos acostumbrados a los desnudos que imitaban a los modelos de carne y hueso, de piel y morbo. No comprendieron en ese momento que la fuerza de su mensaje no estaba en lo anecdótico sino en el juego arbitrario de las formas. Más adelante, críticos especializados  se asombraron ante esas siluetas simplificadas con contornos angulosos y aparentemente dislocadas. Entonces la rotularon como la obra más importante del arte moderno. La formidable intuición de Picasso que  empezó hace cien años con los primeros dibujos de Las señoritas de Avignon guió su impulso para consignar sobre el  lienzo su afirmación: “Yo no evoluciono: yo soy.”